Rafael George

Media hora de Project X  y ya tenía una sensación de ofensa que ni siquiera el tráiler de Human Centipede con toda su violencia y connotación a la tortura lograron. Project X un film de una fiesta de adolescentes fuera de control  es una celebración a la homofobia, la misoginia, la anarquía, la estupidez,  la falta total de empatía y  decencia en definitiva una de las películas más desagradables creadas. Lo más irritante de todo: es que aparenta transmitir cierto orgullo por su realización.

Todo comienza con el perdedor Costa (Oliver Cooper) mirando a la cámara y anunciando "Project X" con los brazos abiertos y una sonrisa siniestra. Esencialmente el mismo personaje de Jonah Hill en Superbad, pero sin ninguna profundidad o algún tipo de humanidad.  Costa - quien llama a todas las mujeres "perras" y todos los demás "homosexuales" - es tal vez lo peor de todo este lío repugnante. Sus compañeros JB (Jonathan Daniel Brown) víctima de un bombardeo interminable de insultos por su peso y apariencia y Thomas (Thomas Mann) un adolescente flaco y torpe cuyos padres están fuera de la ciudad durante el fin de semana. Aprovechando la oportunidad Costa invita a toda la escuela a la casa de Thomas para una fiesta con más drogas y el alcohol desde el desastre en las calles de Corey Worthington en Australia.

Los guionistas Matt Drake y Michael Becall en conjunto al director Nima Nourizadeh asumiendo que la audiencia es tan estúpida, imbécil o moralmente desinhibidos como sus personajes optan por tomas de senos de adolescentes por encima de cualquier narrativa coherente. Es cierto que sólo porque los personajes hacen y dicen cosas sexistas y homofóbicas no significa que sus creadores sean sexistas u homofóbicos,  sin embargo, lo preocupante es la facilidad con que el film abraza y defiende las acciones repulsivas de sus protagonistas. No existe el más minino indicio de consecuencia o penalidad y la audiencia se queda con el mensaje de que este comportamiento no es solo aceptable sino que es digno de ser imitado.

Hay un punto casi al final de la fiesta de Thomas donde  Project X se transforma en algo competente y es cuando llega la policía para terminar con el desorden y los fiesteros empiezan a correr y a atacarlos. Esta secuencia me hicieron recordar una noticia de hace unos años donde un grupo de adolescentes en Londres atacan a las autoridades sin ninguna razón más que porque podían hacerlo;  por desgracia la escena termina muy rápido ya que los escritores insisten en hacer cosas “divertidas” e inverosímiles para seguir comercializando la ridiculez.

Este film se suma al sin numero de fiascos Hollywoodenses  existentes y el hecho de que se haya realizado le quita todo el derecho a los seres humanos de continuar como especie.

Tal vez Clash of the Titans pudo haber llegado más lejos, sin embargo, el hecho de que consiguió 500 millones de dólares sin duda iba a provocar los arreglos para una secuela. Definitivamente en comparación con la anterior esta tiene mejores efectos visuales, pero con un dialogo tan simple,  personajes de madera y acción sin ningún tipo de tensión o consecuencia este film pasa la línea del aburrimiento colosal.

Posicionando la historia 10 años después de su predecesora nos encontramos con Perseo (Sam Worthington) el hijo mortal de Zeus (Liam Neeson) quien es obligado nuevamente a enfrentarse a monstruos mitológicos para salvar a la humanidad de la aniquilación. Perseo ahora tiene un hijo y le prometió a su difunta esposa que el niño nunca tendrá que blandir una espada. Todo bien hasta ahí, sin embargo, Hades (Ralph Fiennes) decide liberar de su prisión mágica a su monstruoso padre Kronos – todavía desconozco las razones -.  Zeus le pide ayuda a Perseo porque está perdiendo sus poderes por falta de plegarias o alguna cosa sin sentido de esa índole y aunque al principio su hijo le dice que no luego cambia de parecer al enterarse de que su medio hermano Ares (Edgar Ramirez) y tío Hades encarcelan a Zeus. Básicamente se trata de una riña familiar digna de un especial de Jerry Springer no de 99 minutos de espadas y épicas sandalias.

Tomando las riendas de dirección esta Jonathan Liebesman (Battle: Los Angeles)  experto en rodar la bola en el ámbito de efectos especiales explosivos que dicho sea de paso es la única razón por la cual la audiencia ve este tipo de películas. La irritante y temblorosas tomas que Hollywood favorece últimamente  están por doquier, asegurando así que inclusive cuando las imágenes impresionan no generan ningún tipo de emoción.  La acción no sigue ningún propósito más bien se produce cuando la secuencia lo requiere independientemente de la narrativa. Por su parte los CGI son impresionantes y cuando la cámara deja de temblar son todo un espectáculo. Aun cuando la acción es prácticamente ininteligible es por lo menos mejor que escuchar a los personajes hablar. Evidentemente se lanza mucho dinero en este tipo de películas aparentemente no cae suficiente en las manos de los escritores. El diálogo es vergonzosamente simple con personajes a menudo  desglosando la trama literalmente o explicando lo que acontece como si la audiencia fuera incapaz de mantener el ritmo; cosa que sería justificable si la historia fuese complicada,  pero como con The Clash of the Titans la inquisitiva de correr por de un lugar a otro es simplemente para alargar el absurdo hasta el gran final; y esto es lo que al menos Liebesman entrega con éxito un gran final con la presentación del villano Kronos.

Como era de esperarse los actores hacen muy poco. Sam Worthington no puede sonar menos griego, aunque desde el punto de vista físico es mucho más convincente que Rosamund Pike quien interpreta a Andromeda. Fiennes y Neeson una vez más talentos desperdiciados,  al igual que Edgar Ramírez quien tomo una mala decisión profesional firmando para este film después de su fenomenal actuación en Carlos de Olivier Assayas. Bill Nighy y Toby Kebell no son para nada divertidos probablemente porque son los únicos actores que no están obligados a fingir que están tomando las cosas en serio.

Visualmente Wrath of the Titans tiene mucho más a su favor que su predecesora. El diseño de las criaturas y el ambiente - en especial  la prisión subterránea de Kronos - son impresionantes. Los efectos 3D también fueron mejorados considerablemente.  Sin embargo siendo consientes esto no salva a una película de la mediocridad. Probablemente la próxima entrega sea digna de recomendar,  lamentablemente esta sigue siendo un viaje absurdo a la tierra de la estupidez.

En una época en donde las comedias no son realmente graciosas – este hoyo negro se conoce comúnmente como los últimos días de la carrera de Adam Sandler - 21 Jump Street es un respiro de aire fresco para el espectador. Definitivamente no es  un clásico instantáneo, como la comedia Superbad, donde debuto Jonah Hill, ni tampoco es tan divertida y alocada como Clody with a Change of Meatballs de los mismos directores de este film Phil Lord y Chris  Miller. Pero para una película basada en una serie de televisión olvidada y protagonizada por el sensible y musculoso Channing Tatum, 21 Jump Street es un agradable y sorprendentemente rato en el cine.

Hill  y Tatum  interpretan dos jóvenes agentes de policía, el primero inteligente y algo nerd y el segundo tonto y grande. En conjunto, son asignados a una fuerza encubierta encabezada por Ice Cube “el actor no el bloque congelado”  para infiltrarse en una escuela secundaria disfrazados de estudiantes y atrapar al proveedor de un nuevo fármaco mortal. Para Hill, esto implica volver a examinar un período  oscuro de su vida, mientras que Tatum no puedo esperar para volver a ser el señor Popular. Sin embargo, la definición de lo que es cool  ha cambiado drásticamente desde sus años en la secundaria. Tatum es quien se esfuerza para encajar, mientras que Hill le resulta sumamente fácil.  

Se podría comparar a una comedia  en la que se intercambian los cuerpos de dos personas en la cual se obliga al atleta y al nerd a caminar un día en los zapatos del otro, pero dado que el cambio aquí es el resultado transformaciones hábilmente observados en la cultura juvenil  y no en magia o vudú, convierten toda  la historia en algo atractivo y novedoso. La cinta también én es mucho mas graciosa y divertida porque tiene simpáticos personajes con los cuales la audiencia se puede identificar;  no es necesario depender tanto de la comedia cruda para conseguir las carcajadas. Eso no quiere decir que el humor inodoro no está presente aquí, ya que por desgracia también existe - Espero el día en que Hill, quien co-escribió la historia, descubra que la palabra "verga" no es un signo de puntuación, sin embargo, sigue siendo un talentoso comediante a pesar de todo.   Hill y el guionista Michael Bacall  astutamente crean chistes para burlarse de los estereotipos de los adolescentes, así como también desentierran verdades emocionales acerca de la experiencia en la secundaria. Pero la mayor sorpresa de la película? Channing Tatum, que por primera vez en su carrera, flexiona sus dotes para la comedia más que sus abdominales. El hombre no sólo es un comediante natural, consiguiendo más risas que su co-estrella, sino que también es el núcleo emocional de la película. No se que fue lo que  provoco este cambio en sus habilidades como actor pero espero que siga trabajando en este tipo de comedias porque definitivamente es bastante gracioso.

De todas las cosas que se pudieran decir acerca de The Avengers existe algo que hay que admitir y es: valió la pena la espera.

Para Marvel no ha sido fácil mantener las expectativas de la gente desde su primer anuncio de este film al final de Iron Man y con todas las escenas, cortos y demás a través de las películas que acompañan esta franquicia. Por esta razón tal vez todo aparentaba a que sería un completo desastre, pero resulto ser una brillante y entretenida historia dentro del genero de los comics y super heroes.

Todo el crédito va a Joss Whedon director y escritor de la cinta, quien no se limito a hacer una de las mejores películas de súper héroes que se haya hecho hasta ahora, sino que también le dio el toque Whedon con cargas de drama, comedia y mucha diversión. La película es inmensa en ejecución y realmente logra entregar lo que se esperaba, habría que imaginarse a Tranformers 3 teniendo un buen guion, buenos actores y efectos especiales razonables: Así de grande se sentía The Avengers. Tal vez el mayor desafío que presentaba el film era el de mantener el sentido de escala. Teniendo personajes de terreno como Capitan America, Black Widow y Hawkeye en comparación con personajes fuera de este mundo como Iron Man, Thor y The Hulk, sin embargo, Whedon logra otorgarle su momento a cada personaje de forma balanceada.

Si existiera un grupo de apoyo para personajes de películas que descubren que sus parejas son en realidad agentes de la CIA en vez de limpiadores de ventanas o agentes de viajes, no habría que esperar  demasiado tiempo para encontrar a alguien con quien hablar al respecto; es un tópico repetitivo en casi todas las películas comico-romanticas o de acción existentes,  Mission: Impossible III, True Lies, Killers, etc. Es un acceso directo a provocar tensión  en la audiencia quienes aparentemente tienen la necesidad de secreto y la forma en que el secreto puede afectar una relación. Los mismos elementos pueden provocar suspenso dependiendo de lo que dictamine la trama, por desgracia, este no es el caso de This Means War la cual hace todo hincapié en generar  "comedia" con resultados tan genéricos como el resto del catálogo del director McG. Este es el tipo de película que aspira a ser un viaje divertido y gracioso, sin embargo se siente como algo que lo hizo de forma apresurada y sin el más mínimo esfuerzo. Se podría llamar cinematografía fácil y si bien hay un momento o dos de comedia  que dejan al espectador al borde de la risa es difícil considerarla otra cosa que una pérdida del talentoso elenco en pantalla.

El talento consiste en gran parte en dos de los mejores jóvenes actores de esta generación: Tom Hardy y Chris Pine quienes personifican a Tuck y FDR, respectivamente, dos súper agentes de la CIA que se les pide que usan esmoquin en bares de lujo y masacren un grupo de Eslavos para recuperar misteriosos dispositivos de maletines  esposados en brazos de la gente. Esa es una encapsulación razonable de la escena de apertura filmada con la clase de “cámara en movimiento” incomprensible que deja al público casi en su totalidad sin la mas mínima idea de lo que está pasando. Las consecuencias incluyen al menos un alemán muerto, cuyo hermano termina algo desconcertado por su prematuro fallecimiento y al ser un profesional... terrorista? Villano? Nunca se explica bien; todo lo que se necesita saber es que es capaz de ensamblar un equipo de una docena de matones al otro lado del mundo para regresar a vengarse de nuestros héroes.

Se puede notar un toque de parodia en la parte que involucra exclusivamente a la CIA del guion de Timothy Dowling y Simon Kinberg. El trabajo de FDR y Tuck en una de esas oficinas con  pantallas planas de gran tamaño llena de constante luces que muestran las cardio frecuencias de los terroristas en Marrakech, sin embargo, estos detalles quedan relegados a la parte trasera de toda la historia ya que el enfoque primario gira en torno al poco probable y simultáneo cortejo de Lauren (Reese Witherspoon) una de esas mujeres hermosas pero solteras que existen en las comedias románticas, quien  por supuesto, no sabe que sus pretendientes son agentes de la CIA y no sabe que ambos saben que ella está saliendo con los dos al mismo tiempo.

Todo esto implica los juegos habituales por la supremacía, ya que el par no sólo compite por el corazón de Lauren, sino también para demostrarse mutuamente quien es el mejor hombre. Su CIA-dad también les permite de forma completamente ilegal espiar a los demás e incluso sabotearse mutuamente las salidas con su amada; Tuck hace dormir a FDR con un dardo tranquilizante durante su velada romántica con Lauren, así como FDR enciende el sistema anti-incendio cuando las cosas empiezan a encenderse. Todo es divertido y simple pero rara vez alcance emanar la risa hilarante que se espera de una comedia de esta índole. Parte del problema es el hecho de que es una  comedia por encima de cualquier otra cosa y los actores hacen demasiado esfuerzo en hacer reír que la audiencia no le interesa saber quien queda con quien al final o si alguno de ellos encontrara la felicidad.  Aparte de que es difícil ver porque estos hombres están peleando por Lauren; es cierto que podría sonar cruel pero Witherspoon parece estar envejeciendo de forma tal que se está saliendo de su propia personalidad. 

A pesar de algunos elementos frescos en la historia y la afable rivalidad entre Hardy y Pine This Means War es en gran parte una comedia romántica sin romance real ni suficiente comedia con elementos de acción que dejan mucho que desear, la cual hasta cierto punto aburre de una manera que provoca que la gente quiera salir de la sala; al menos eso hizo conmigo.

Con una narrativa tan árida como el paisaje de color rojo en Marte John Carter de Disney es un  espectáculo de ciencia ficción que no logra transmitir la mínima excitación ni tampoco entretención. El film muestra la historia de un soldado de la guerra civil estadounidense que es transportado a las llanuras habitadas de Marte donde se ve envuelto en otra guerra civil. A pesar de su esplendor en el plano visual el guión mediocre  y los personajes desarrollados burdamente arrastran a John Carter al plano de fiasco.

Carter es interpretado por Taylor Kitsch  quien dicho sea de paso tiene una impecable incapacidad de actuación. Tras un preludio innecesariamente largo que sólo se redimió un poco por la presencia de Bryan Cranston  como un viejo y malhumorado coronel de la guerra, Carter es inadvertidamente transportado a Marte. A partir de entonces se ve envuelto en una guerra civil entre los Zodangans y los Heliumitas. El conflicto también afecta a los Tharks criaturas de cuatro brazos y piel verde y de alguna manera indescifrable para la audiencia involucra a los Thens. Sí, existen un montón de palabras sin sentido en esta película.

El director Andrew Stanton creador de Wall-E y Finding Nemo intenta pisarle los talones a su colega Brad Bird haciendo su debut con una película de acción. Lamentablemente, John Carter demuestra que no es Misión Imposible: Ghost Protocol. Cuando la película de Bird está llena de energía, la de Stanton se arrastra miserablemente por el suelo. Cuando la película de Bird sigue un camino sencillo, la de Stanton deambula de un lugar a otro sin ningún propósito. Cuando Bird hizo uso de situaciones divertidas,  piezas creativas y espectaculares escenas de acción que involucraban personas reales, John Carter está inundada de efectos digitales fáciles de olvidar. 

Pero no todo es tan malo en la película; un área en donde tiene éxito es en los elementos diseñados para este mundo alienígena. Los trajes, las ciudades, las naves y la topografía de los extraterrestres fue elaborada de una forma bastante meticulosa e incluso a pesar de que los escritores fallan a la hora de explorarlo se puede creer sin problemas que Marte o "Barsoom" como lo llaman los nativos es un mundo rico y desarrollado.

Por el lado de los personajes, más allá de Carter - cuyo trasfondo es tan insípido y predecible que todos sus matices pueden verse desde el inicio de la película – la audiencia se queda atrapada entre la princesa guerrera Dejah Thoris quien aparenta tener la menstruación por sus tantos cambios de humor (Lynn Collins) y el tatuado villano Sab Than (Dominic West) quien con su sobre actuada crueldad cansa y aburre.  Es sólo durante los créditos cuando la audiencia se da cuenta de que en la pelicula hay buenos actores interpretando a algunos de los  Tharks; entre ellos Willem Dafoe , Samantha Morton  y Thomas Hayden Church, sin embargo, sus personajes son tan insulsos como todos los demas.  La única persona que es remotamente interesante es Mark Strong como el celeste titiritero Matai Shang quien parece estar tirando de todas las cuerdas, pero sin el debido apoyo del guion para mostrar sustancia al personaje pronto se evidencia el hecho que es simplemente la masilla para llenar los huecos de tan complicada, aburrida y estúpida película.

Un relato de intrigas políticas de primera clase, The Ides of March ofrece un rayo de esperanza a aquellas personas involucradas en la política estadounidense sólo para crear un sentimiento de frustración a través de las rocas escarpadas de la ambición, el secreto y la traición. La historia, basada en la obra de teatro Farragut North por Beau Willimon, se refiere a un gerente de campaña idealista joven que recibe un curso intensivo de pragmatismo cuando descubre que el hombre por el cual se esfuerza para que sea elegido como aspirante a la presidencia no es el caballero de brillante armadura que parece ser. 

El film narra la trayectoria de la campaña del gobernador de Pensilvania Mike Morris(George Clooney) en contra del senador de Arkansas Ted Pullman (Michael Mantell) por la nominación demócrata para la carrera presidencial. Morris es una especie rara de político con visión de futuro, determinación y poco dispuesto a ceder en sus ideales  es el tipo de hombre que inspira fe y lealtad incluso a los hombres como Stephen Meyer (Ryan Gosling) un joven pero talentoso administrador de campaña que trabaja bajo Paul Zara (Phillip Seymour Hoffman) haciendo todo lo posible para llevar a Morris a un paso más cerca de la Casa Blanca. A medida que Meyer se involucra más en su trabajo la tentación aparece en todas partes ya sea en forma de la oposición de campaña de Duffy Tom (Paul Giamatti) quien aspira atraer a Meyer a la otra orilla o encarnada por la joven y coqueta pasante Molly Stearns (Evan Rachel Wood).

The Ides of March se filmó y editó con confianza como el drama sencillo que es. Gran parte de la película se desenvuelve en los lugares típicos de las cintas de suspenso político alrededor de teléfonos públicos, en los bancos, en salones de baile y moteles. El director de fotografía Phedon Papamichael llena el cuadro con blancos sin pasión, azules y grises dando una imagen de estética fría y calculada de una película de David Fincher (The Social Network) o Christopher Nolan (Inception). 

El film se distingue realmente por la calidad de sus actores. Tal vez por el hecho de que Clooney es un actor veterano logro reunir un reparto de ensueño formado por los mejores artistas de Hollywood y les da rienda suelta a ofrecer un diálogo chispeante de Williamson con poca intrusión. Ryan Gosling es magnético como Meyer un personaje mucho más detallado en comparación con su trabajo anterior como el anti-héroe en  Drive pero que exuda la misma confianza con mucho encanto y sangre fría. Clooney quedo perfecto como Morris pocos actores pueden personificar un político carismático capaz de transmitir auténtica esperanza inspiradora  sólo para ser revelado en última instancia como susceptible a los mismos defectos humanos que cualquiera tiene. Por su parte Phillip Seymour Hoffman y Paul Giamatti son típicamente brillantes como los dos jefes de campaña.  Evan Rachel Wood no solamente transmite la sensualidad adecuada para su personaje sino también la forma convincente en la que expresa sus emociones dando así más peso dramático a su historia. Incluso los papeles más pequeños son ocupados por artistas de primera clase incluyendo Marisa Tomei(Crazy, Stupid, Love) como una periodista obstinado Jeffrey Wright (Source Code) quien personifica a un senador que apoya a Morris, Max Minghella (The Social Network) como un miembro más joven del equipo de campaña de Morris y Jennifer Ehle (Contagion) como la esposa dedicada del gobernador.

La política es el juego dominado por la ambición brutal de muy pocos.  Esta película desenmascara el lado oscuro que cualquier persona tiene dentro independientemente de su posición. A la audiencia solo le queda preguntarse qué tan profundo puede caer alguien por la ambición; la película transmite demasiada autenticidad como para ser pasada por alto.

Oliver (Ewan McGregor) es un diseñador gráfico en sus treinta y tantos años que desde el principio de la película lidia con el fallecimiento de su padre, Hal (Christopher Plummer); quien paso la mayor parte de su vida ocultando el hecho de que es gay. Hal decide revelarle este secreto a su hijo poco después de su 75avo cumpleaños, sólo para ser derribado por cáncer unos pocos años más tarde. Todavía en luto por su padre, Oliver  se embarca en una aventura amorosa con Anna (Melanie Laurent) una mujer francesa hermosa pero con problemas emocionales bastante marcados. Entre flashbacks el espectador es testigo de cómo el pasado  de Oliver - tanto en su infancia, la educación inexpresiva en manos de su madre, así como su relación adulta reciente con su espiritualmente fortalecido pero el físicamente enfermo padre - continúan afectando sus relaciones en el presente.

El centro emocional del film se encuentra, sin duda, en la relación entre Oliver y Hal. McGregor y Plummer ofrecen de forma ponderada un espectáculo de humor  y la captura de toda la dinámica realista del amor,  frustración y tristeza que existen entre cada padre e hijo en la vida real.

En contraste a la relación entre Oliver y Ana la cual encuentra su raíz en la ficción y como resultado es menos convincente. Anna nunca parece un personaje real sino más bien un objeto hacia el cual Oliver puede dirigir su afecto idealizado. Gracias a las excelentes actuaciones de ambos McGregor y Laurent es difícil poner en duda la sinceridad de las emociones entre ellos, sin embargo,  con demasiada frecuencia el comportamiento e idiosincrasia de Anna provocan que muchas de las situaciones entre ellos se vieran bastante falsas.  Lo mismo podría decirse de los dotes de director de Mills en mi opinión a veces funcionan y en ocasionas simplemente fallan. El uso de las imágenes fijas y voz en off tienen un toque subliminal genial - Mills utiliza la técnica para hacer comentarios sobre la relación entre el pasado y el presente,  cómo las cosas cambian mientras que otros permanecen igual. En el lado menos impresionante la selección musical muchas veces no parecía adecuada a la situación en pantalla, así como también   algunas escenas (especialmente las que tienen lugar en la habitación de hotel de Anna) estaban tan mal iluminadas que prácticamente no podía verse nada.

La calidad de la historia, diálogo, actuación y especialmente la representación de la relación entre un hijo y su padre eleva a Beginners por encima de sus defectos.  Con este film Mills imparte las lecciones que su padre le enseño y nos anima a todos a aprender de una forma envolvente y llena de sentimiento.

Agregándose al conjunto de remakes de películas de clase B de los ochentas Fright Night  muy parecida a la antigua cuenta la historia de un adolescente de los suburbios  desconcertado al enterarse de que su nuevo vecino es en realidad un vampiro. Con guión de Marti Noxon y dirigida por Craig Gillespie, la película está llena de  obvias pero eficaces metáforas, muchos momentos cómicos  y un par de genuinos sustos. 

Anton Yelchin interpreta a Charley Brewster un estudiante de secundaria de Las Vegas quien recientemente anda de novio con Amy (Imogen Poots) evento que lo ayudo a ser parte del grupo popular de la escuela, algo que le provoca cierta ansiedad por terminar la amistad con su amigo Ed (Christopher Mintz-Plasse) y su antigua vida de nerd. La renuencia de Charley a su amistad con Ed es comprensible sobre todo cuando Ed está convencido de que Jerry el nuevo vecino de Charley (Colin Farrell) es un miembro de los muertos chupa sangre. Sin embargo, cuando la gente en el vecindario empieza a desaparecer, Charley comienza a darse cuenta de que su viejo amigo tal vez no está loco después de todo.

Una de las cosas más agradables acerca de este film es que prácticamente de inmediato acaba con la vieja y aburrida trama de "es él, no es cierto?…". Cualquier persona que vea esta película obviamente sabe que Jerry es un vampiro y aunque le podría llevar un poco de tiempo a los diferentes personajes para aceptarlo, Noxon y Gillespie lo hacen evidente a la audiencia tan pronto Farrell aparece en pantalla. De hecho, una de las cosas divertidas acerca del film es la forma graciosa en que Jerry se muestra al notar que casi nadie puede averiguar su secreto. Esto le da la oportunidad a Gillispie para tejer un par de secuencias excelentes de suspenso. Una de las primeras escenas en las que Charley sospecha de si Jerry es un vampiro y puede o no entrar en una casa sin ser invitado crea un aire tenso y escalofriante genial; mientras que en otro momento en un club nocturno se muestra un giro efectivo a la metáfora de violación hipnótica vampiresca.

Farrell definitivamente disfruta el papel de Jerry (un nombre terrible para un vampiro y que del mismo irónicamente se deriva mucho humor) su caracterización es el de un evidente depredador. Combinando esta actuación con su genial personificación en Horrible Bosses y el 2011 fue un año excepcional en la filmografía de este subestimado actor. También hay que darle merito a David Tennant quien asume el papel de un llamativo mago y cazador de vampiros de Las Vegas - un personaje con matices obvios a Russel Brand – con brillantez y aplomo.

Independientemente de que Farrell y Tennant tienen la mayor oportunidad de robarse el show el elenco completo hace un gran trabajo. Anton Yelchin es un joven actor con mucho talento, transmitiendo todas las sensaciones de terror e incredulidad que con lleva el hecho de enterarse de que un tipo llamado Jerry quiere mordisquearle la garganta. Las protagonistas femeninas de la película  por desgracia pasan muy poco tiempo en pantalla,  sin embargo, Imogen Poots y Toni Collette como madre soltera de Charley son más que convincentes en sus papeles. Así como también Christopher Mintz-Plasse quien también ofrece su numerito habitual de nerd extravagante el cual desempeña de forma impecable.

El guión de Martin Noxon  está lleno de la misma mezcla de humor y drama  adolescente que trajo a los episodios de Buffy the Vampire Slayer, pero tal vez la mejor idea que tuvo fue la de establecer la película en Las Vegas. Un sitio para los transitorios, donde la gente no será extrañada; la ciudad ofrece el lugar perfecto para un asesino sediento de sangre. Por otra parte, la calidad inherente artificial de la capital mundial del juego de alguna manera parece justificar la utilización de efectos gore digitales en lugar de los reales.

Fright Night es una historia inteligente y llena de suspenso  con muchas pinceladas de humor que definitivamente vería nuevamente.

Relatando el brote de una pandemia mundial Contagion es muy parecida al virus que presenta el cual surge a través del torrente sanguíneo llegando al cerebro del espectador envolviéndolo con miedo, paranoia e indecisión moral. Reforzada por un elenco prácticamente inconcebible, el director Steven Soderbergh teje historias múltiples  con el fin de mostrar los efectos de una enfermedad en  diferentes niveles de la sociedad. Logra tener éxito tanto a nivel micro como macroscópico,  inteligente, brillante y con bastante credibilidad esta película acerca de un desastre de salud provoca  reflexión y terror en igual abundancia.

La enfermedad parece iniciar con una mujer de los suburbios de Minneapolis (Gwyneth Paltrow), que regresa a casa de un viaje a Hong Kong sólo para caer fatalmente enferma. Su marido (Matt Damon) es puesto en cuarentena por un médico del Centro de Control de Enfermedades (Kate Winslet) por órdenes de su superior (Laurence Fishburne) pero muy pronto queda claro que el virus es propagando a un ritmo más rápido y esto no permite que sea contenido a tiempo. Los científicos del CDC dirigido por el doctor Ally Hextall (Jennifer Ehle) luchan para encontrar una vacuna, mientras que un representante de la Organización Mundial de la Salud (Marion Cotillard) intenta descubrir el origen de la enfermedad. Cuando el orden social comienza a desplomarse, el miedo del público y la desconfianza son alimentados por los bloggers  con teorías de conspiración farmacéutica como Alan Krumwiede (Jude Law).

Lo que hace el film tan efectivo es su verosimilitud. Sólo se puede imaginar la cantidad de meticulosa investigación que Scott Z. Burns puso en el guión. La película hace frecuentes referencias a problemas de salubridad anteriores como la gripe aviar y la gripe H1N1 combinándolos con una catástrofe ficticia para presentar un escenario de "¿qué pasaría si?".  La autenticidad se extiende más allá de la salud médica, como Burns y Soderbergh ofrecen una visión fascinante de todos los elementos sociales que entran en juego. Los burócratas discuten sobre las preocupaciones financieras de la creación de centros de ayuda, mientras que los militares sienten pánico con la idea de que la enfermedad podría haberse creado como un arma biológica. Hay referencias a la difusión de rumores y la desinformación a través de Facebook y Twitter ya que el film de forma plausible explora las formas en que el miedo se propagaría en esta era de la información. Sin embargo, aunque el film documenta la reacción social con respecto al  virus, también se las arregla para mantener una notable intimidad. A pesar de que el mundo está colapsando Matt Damon intenta dar a su esposa un entierro apropiado, mientras que también trata de proporcionar una apariencia de normalidad a su hija adolescente. Lawrence Fishburne necesita tiempo para llorar la muerte de un colega y en un momento posterior toma una decisión que obliga a la audiencia a hacerse preguntas éticas difíciles de responder.

Cada actor hace un trabajo excepcional asegurando incluso con el tiempo limitado en pantalla que sus personajes e historias no defrauden. Por otro lado prácticamente todo el elenco secundario son actores de calidad, incluyendo Bryan Cranston,  Enrico Colantoni, Elliot Gould y John Hawkes.

Soderbergh hace un uso fantástico del estilo de docudrama para mejorar  el sentido de realismo tenaz. El crudo frío de la cinematografía digital contribuye a la calidad visual tensa y paranoica que impregna la película algo que se ve reforzada por las persistentes tomas de vasos, puertas y barandillas; recordatorios constantes de la amenaza invisible. 

Convincente, real y aterradora, Contagion equilibra su multitud de personajes con un escenario de ideas fascinantes con firmeza y eficacia. Es difícil imaginar a alguien que vea esta  película sin ser afectado ya sea intelectual, visceral, o ambas. Al menos provocara pensarlo dos veces antes de estrechar la mano a alguien.